Отличный сайт о художниках: http://stoicka.ru/.Самые знаменитые художники России

 
 

Мартирос Сергеевич Сарьян  

Виктор Михайлович Васнецов  

Карл Павлович Брюллов

Петр Кончаловский

Человек большой и разносторонней культуры и знаний, тонкий знаток и ценитель европейского искусства, Петр Петрович Кончаловский сформировался и входит в историю отечественной живописи прежде всего как художник глубоко национальный и самобытный, с радостным, жизнеутверждающим мироощущением, горячей любовью к родной земле - ее природе, людям. Корни его творчества уходят глубоко в русскую культуру, русское искусство и, наконец, они тесно связаны с животворной советской действительностью, нашедшей столь яркое и поэтическое отображение в его произведениях.

 

В их доме всегда бывало много художников. Отец, видный литератор, издавал классиков, приглашая иллюстрировать книги лучших художников. М.А. Врубель иллюстрировал «Демона» М.Ю. Лермонтова. В.А. Серов и К.А. Коровин оформляли другие издания. Часто бывал В.И. Суриков. Вся юность была наполнена впечатлениям им от встреч с такими художниками. Жадно вслушиваясь в разговоры об искусстве, мальчика все сильнее тянуло к нему.

Учить рисованию его начали рано: восьмилетним мальчиком он посещает школу живописи в Харькове, позже - вечерние классы Строгановского училища в Москве.

Он рано понял, что будет художником. И понял также, как это трудно. Его ранние живописные поиски напоминали творчество Константина Коровина и мастеров, входящих в Союз русских художников. Но никого из этого великолепного окружения он не выбрал в учителя.

В 1896 году двадцатилетний Петр Кончаловский едет в Париж, чтобы учиться живописи. Но занятия в парижской Академии Жюльена не удовлетворяют его. Проучившись два года в Париже, он возвращается в Россию и поступает в Петербургскую Академию художеств. Однако рутинная система преподавания в Академии тоже не устраивает его. Но больше всего он недоволен собой.

Архангельск. Корабли в порту. 1903. Холст, масло. 49 х 61

А ведь его хвалят! В Париже он получает премию за рисунок. В Петербурге и в Москве о нем говорят, как о незаурядном колористе, отмечают его декорации и иллюстрации к книгам. Однако он не слышит похвал. Он много путешествует, много пишет, но нередко уничтожает сделанное.

Молодой художник ищет свое «Я», свой метод, свое место в искусстве.

Оказавшись же во Франции после окончания Академии художеств в 1907 году, он заболел импрессионистами, побывав на выставке «100 полотен Ван Гога», признался: «Произведения Ван Гога раскрыли мне глаза на мою живопись...» А познакомившись с созданиями Сезанна, воскликнул: «Я ухватился за Сезанна, как утопающий за соломинку...»

Сразу же после выставки он едет в Арль, где жил и творил знаменитый французский живописец. Он хочет увидеть в натуре пейзажи, которые писал Ван Гог, чтобы глубже понять его метод. Однако, высоко оценив Ван Гога, Кончаловский не стал его подражателем. Он упорно продолжает поиск.

СЕВИЛЬЯ. 1910.

Бумага, графитный карандаш, акварель. 24,5 х 34,5

Крым. 1952. Бумага, акварель, белила. 39 х 57

Натюрморт с гранатами. 1943.

Холст, масло. 50,5 х 68

Поиск своего «Я» в искусстве был у художника сложным и интересным. Хаос противоречий разнообразных художественных течений начала XX века не мог не коснуться Кончаловского. Он прошел через увлечение импрессионизмом и кубизмом, испытал влияние Сезанна и Матисса.

Особенно длительным и глубоким было воздействие Сезанна. «Сезаннизм» выразился у Кончаловского главным образом в разных внешних приемах. Он стал для него интересной, модной в то время манерой. Но не стал мировоззрением художника. Кубизм для Кончаловского стал своего рода творческой мастерской. «Кубизм был мне нужен, чтобы изыскать из природы одно характерное, существенное, чтобы научиться строить композицию, окончательно разделаться с традициями живописного натурализма», - скажет он в автобиографии.

Живой темперамент, влюбленность в жизнь, в красоту земли требовали от художника живописных решений, свойственных природе его таланта. Холодный формальный эксперимент всегда был чужд ему.

Пройдя через сложные поиски, Кончаловский в 20 - е годы придет к реализму и будет верен ему до конца жизни. Он всю жизнь будет учиться у мастеров Возрождения. Он глубоко постигнет русскую классику, отмечая прежде всего Александра Иванова и Василия Сурикова.

А пока... Пока он ищет свой метод...

Самым ярким периодом творчества Кончаловского приходится на 1910 год, когда на смену традиционализма в искусстве приходят поиски нового пластического языка. Пристрастия, вкусы, идеалы у художника изменятся. Следствием этого станет возникновение в 1911 году объединения «Бубновый валет» во главе с Кончаловским.

Связь с вывеской, игрушками, лубком ощущается в произведениях Кончаловского 1910 - х годов, что проявилось в отказе от психологических акцентов в портретах, выявлении натюрмортного, овеществляющего начала, нахождении специфической системы упрощений: «Автопортрет» (1910), «Семейный портрет» (1911), «Автопортрет и портрет Петра Кончаловского» (1910).

Автопортрет и портрет Петра Кончаловского. 1910.

Холст, масло. 208 x 270

Автопортрет. 1910.

Холст, масло. 101 х 79

Семейный портрет (на фоне китайского панно). 1911.

Холст, масло. 178 х 239

В 1910 году Кончаловский вместе со своим тестем В.И. Суриковым (Кончаловский был женат на дочери Сурикова Ольге Васильевне) едет в Испанию. Он много пишет, и работа впервые приносит ему удовлетворение. Его испанская серия производит сильнейшее впечатление. Художник находит новый язык для воплощения странной красоты этой страны. В творчестве художник лаконичен, прост и энергичен. Он пишет корриду, матадоров, пейзажи.

Бой быков. 1910. Холст, масло. 133,5 х 176

Испанский Пейзаж. 1910. Холст, масло. 65,8 х 81,4

Поднос и овощи. 1910. Холст, масло. 73 x 92

А картина «Матадор Мануэль Гарта»! Отражает волевое, суровое лицо. Твердый взгляд холодных серых глаз. Тяжелые, сильные руки с толстыми, грубыми пальцами, унизанными перстнями. Гордая осанка смелого, уверенного в себе человека. Резкое сочетание немногих, предельно насыщенных цветов: свинцово - серый фон, черная одежда, темно - зеленый плащ, яркий темно - красный галстук. Манера письма обобщенная, сдержанно резкая. Детальная разработка частностей здесь полностью отсутствует. В обрисовке этого человека намечено лишь главное, характерное.

Матадор Мануэль Гарта. 1910. Холст, масло. 70,7 x 86,6

Близок к «испанским» работам Кончаловского и написанный им сразу по возвращении в Москву «Портрет художника Г.Б. Якулова» (1910). Армянский художник Георгий Якулов был личностью яркой, оригинальной. Страстный полемист, он отстаивал идею синтеза искусств Востока и Запада. Позже Якулов станет известен как оригинальный театральный художник.

Портрет Якулова построен на контрастах. Пронзительные, почти ядовитые цветовые сочетания, граничащие с дисгармонией. Острые, подчеркнуто ломкие формы фигуры. Жгучий взгляд огромных черных глаз. Яркие красные губы на зеленоватом фоне бритых щек. Экстравагантное сочетание оранжевого жилета с фиолетовым галстуком. Неожиданная привычка сидеть на тахте скрестив ноги. Неистовый темперамент модели подчеркнут изогнутыми линиями оружия, развешанного на стене.

Портрет художника Г.Б. Якулова. 1910. Холст, масло. 176 х 143

Все в этом портрете на грани крайности. Но грань не перейдена. Кончаловский соткал из крайностей гармоничное цветовое целое, создал целостный и характерный образ человека, близкого ему по духу, по характеру творчества.

В 1912 - 1913 годах художник путешествовал по Южной Франции и Италии. Свои открытия в искусстве Сезанна он соединил с ориентацией на итальянское Возрождение, которое изучал в музеях Сиены, Пизы, Перуджи, Ассиви. А в пейзаже «Кассис. Корабли» (1913) ощущается увлечение автора кубизмом. В картине «Агава» (1916) художник преодолевает приемы кубизма. Хотя здесь и прослеживается геометризм, все же в широком размахе угловатых и мясистых зеленоватых листьев трепет жизни органически сливается с декоративностью. В 1917 - 1920 годах Кончаловский вновь обращается к Сезанну, его полотна становятся более «спиритуальными», как «Портрет скрипача Ф.Б. Ромашкова». Написанный в 1918 году, он поражает своей одухотворенностью.

Агава. 1916. Холст, масло. 80 х 88

Портрет скрипача Г.Ф. Ромашкова. 1918.

Холст, масло. 143 х 105

Кассис. Корабли. 1913. Холст, масло. 88 х 111

Октябрьская революция решительно и глубоко изменила творческие пути многих выдающихся русских художников, наполнив их творчество новым содержанием. Кончаловский окончательно сложился как художник в послереволюционные, 20 - е годы.

В работах Кончаловского 20 - х годов видно увлеченное внимание к красоте и богатству реальной жизни, вылившееся в яркую, сильную, самобытную художественную систему. Художник сознательно и последовательно приближается к традициям русской классики, идущим от Александра Иванова до Сурикова и Серова.

Картины, написанные Кончаловским в 1920 - е годы, полны ликующего жизнелюбия, ощущения полноты счастья, наслаждения красотой и многоцветностью мира. Биение пульса жизни, ощущение творческой свободы ясно читаются на холстах Кончаловского этого периода. Художник отходит от упрощенных форм, его живопись обогащается оттенками, нюансами.

После 1920 - х годов Кончаловский находит опору в полотнах старых мастеров. Он обращается к реалистической традиции, к изображению живой реальной натуры. Тремя большими и очень значительными сериями картин и этюдов стали прежде всего неаполитанские, римские и венецианские пейзажи, написанные во время путешествия в Италию в 1924 году, затем – обширная серия жанровых и пейзажных работ, выполненная в Новгороде в 1925 - 1926 годах, и серия картин и этюдов, сделанных в результате поездки на Кавказ в 1927 году.

Венеция. Мост Риальто. 1924. Холст, масло. 68 х 118

Казбек. Раннее утро. 1927. Холст, масло. 80,5 х 89

Новгород. Детинец. 1925. Холст, масло

В пейзажах этих лет сложилось и прочно укоренилось то экспансивное, широкое и влюбленное отношение к красоте природы и старой архитектуры, которое осталось у Кончаловского на всю жизнь.

С этими же годами связан и ряд превосходных портретов. Суриковским духом проникнут и прекрасный портрет дочери, Н.П. Кончаловской, в розовом платье, поправляющей, нагнувшись, туфлю (1925), и портрет жены, О.В. Кончаловской, с бусами (1925). «Ковка буйвола» (1927) стала одной из значительных работ, подытоживающей этот первый этап завоевания реалистических принципов.

Портрет Натальи Петровны Кончаловской, дочери художника в розовом платье. 1925.

Холст, масло. 132,5 х 110,5

Ковка буйвола. 1927. Холст, масло. 280 х 330

Портрет Ольги Васильевны Кончаловской, жены художника (в красном бусами). 1925.

Холст, масло. 83 х 66

В 1930 - е годы искусство Кончаловского обретает всю полноту ясного и зрелого мастерства. Портрет, пейзаж, натюрморт - вот жанры, которые окончательно определились в этот период и в которых опыт 20 - х годов проявился широко и свободно.

Начиная с 1930 - х годов художник создал целую галерею портретов своих современников, выдающихся деятелей советской науки и культуры: композитора С.С. Прокофьева, артистки А.О. Степановой, народного художника, резчика по дереву А. Ершова, портрет девушки - испанки Хулиты Перикаччо, брата художника, историка Дмитрия Петровича Кончаловского, писателя А.Н. Толстого и др. Создавая портреты современников, Кончаловский стремился, по его словам, «найти стиль изображаемого человека, открыть в нем общечеловеческое». Кончаловский любил писать своих близких - жену, детей, позже - внуков. Во всех своих портретах он продолжает и развивает традицию русского портрета, перекликаясь с творчеством Сурикова, Репина, Серова и Нестерова, и вместе с тем утверждает дух своего времени, раскрывая внутреннюю значимость изображенных на них людей.

Портрет артистки Ангелины Осиповны Степановой. 1933.

Холст, масло. 136 х 153

Портрет девушки - испанки Хулиты Перикаччо. 1939.

Холст, масло. 105 х 84,7

Портрет композитора Сергея Сергеевича Прокофьева. 1934.

Холст, масло. 181 х 140,5

Портрет брата художника, историка Дмитрия Петровича Кончаловского. 1934.

Холст, масло. 163 х 133

А.Н. Толстой в гостях у художника. 1941.

Холст, масло. 142,5 х 169

Портрет народного художника, резчика по дереву,

А. Ершова. 1936.

Холст, масло. 65 x 50

Принято считать, что основные свои произведения художник создал в 1910 - х годах. Но это не совсем так. Нельзя пройти мимо великолепного «Портрета Мейерхольда», написанного в 1938 году в квартире режиссера. Мейерхольд уже был отставлен от театра, что было для него равносильно смерти. Но Кончаловский пишет не трагедию и предчувствие физического уничтожения. Он пишет красавца - человека и красавца - художника. Это своего рода апофеоз творчества, цветение тех возможностей, которые еще были живы в старом мастере.

Всеволод Эмильевич Мейерхольд (1874—1942) известен миру как смелый новатор, решительно ломавший принятые, устоявшиеся нормы в театральном искусстве. После Октябрьской революции Мейерхольд посвятил свое искусство пропаганде революционных идей, задачам политической агитации. Смелая фантазия, страстная полемичность, введенные им на сцене приемы эксцентрики, буффонады, мюзик - холл, ломали все привычные представления о театре. В «Портрете В.Э. Мейерхольда» отразился огромный интерес Кончаловского к духовному миру этого незаурядного человека.

Портрет режиссера В.Э. Мейерхольда. 1938. Холст, масло. 234 х 210

Кончаловский написал знаменитого режиссера лежащим на тахте. Мейерхольд погружен в себя, он во власти напряженной работы мысли. Большую часть картины занимает пестрый, во всю стену, ковер. Кончаловский использует контраст декоративного плоскостного узора ковра со сдержанной моделировкой фигуры и лица режиссера. Поиск своеобразной выразительности в этом портрете, удивляющем смелым отступлением от традиционных портретных форм, близок исканиям самого Мейерхольда.

Полотно поражает необычайностью композиции и декоративным великолепием красок, органичностью замысла и исполнения.

Кончаловский - не только портретист. Пейзаж составляет также значительную часть творчества художника. В его пейзажах чувствуется какая - то особая внутренняя одухотворенность и строгая красота.

Как и пейзаж, к особому месту в творчестве Кончаловского занимателен натюрморт. В этом жанре в советской живописи Кончаловскому принадлежит первостепенное место. Натюрморт для Кончаловского - это глубокое постижение натуры, способ передать живую плоть природы во всем ее многообразии. «Увидеть красоту в простых повседневных явлениях, найти для выражения этой красоты большой стиль - является для меня главной задачей», - писал художник в автобиографии.

Натюрморты художника, которые он писал всю жизнь, не кажутся скучными — ему нравилось как бы заново создавать вещи, уплотнив, огрубив их; он пытался заставить жить материю, которую принято считать мертвой. Причем часто он работает на холстах больших размеров. Многие портреты, семейные портреты написаны на холстах, размеры которых подошли бы для изображения сложных батальных сцен. В соединении с примитивной манерой исполнения это кажется странным. Стремился ли художник подчеркнуть значимость изображаемого или хотел быть до конца «наивным», подражая детским рисункам?..

В натюрмортах отчетливо прослеживается путь исканий художника. Если в «Агаве» он изображает растение в цветочном горшке и расположенные рядом с ним предметы с кубистическими изломами, то в работах 30 - 50 - х годов, таких, как «Зеленая рюмка» (1933), «Сирень в корзине» (1933), «Южный натюрморт» (1946), «Подсвечник и груши» (1946), «Красный поднос» (1947), «Корзина с рябиной» (1947) и множестве других, предстает отточенное мастерство реалиста.

Зеленая рюмка. 1933. Холст, масло. 36 х 47

Красный поднос и рябина. 1947.

Холст, масло. 85, 2х 102,5

Корзина с рябиной. 1947. Холст, масло. 79 x 95

Подсвечник и груши. 1946. Холст, масло. 56 х 66,5

Южный натюрморт. Бутылка и кукуруза. 1946.

Холст, масло. 36 х 47

Сирень в корзине. 1933. Холст, масло. 116 х 140

Последние десять лет его жизни и творчества ни на мгновение не давали какого бы то ни было снижения мастерства или снижения жизнеутверждающей энергии художника. К этим годам относится особенно много портретов камерного характера. Можно назвать превосходный «Портрет хирурга А.А. Вишневского» (1951) или длинную цепочку портретов своих внуков.

Автопортрет с внучкой. 1943.

Холст, масло. 135 х 112,5

Портрет поэта Сергея Владимировича Михалкова с сыном. 1943.

Холст, масло. 158 х 131,5

Портрет Н.С. Михалкова в кресле. 1954.

Холст, масло. 111х91

В послевоенные годы Кончаловский подвел итоги своему монументальному пейзажному искусству: «На полдни» (1947), своему любованию бесконечным богатством материального бытия во множестве прекрасных натюрмортов: «Хлеб, вино и ветчина» (1948), огромный ряд «сиреней». Он создал «Полотера» (1946), написанного с нескрываемым восхищением сильной, красивой, целеустремленной человеческой работой.

На полдни. 1947. Холст, масло. 340 x 405,5

Полотёр. 1946. Холст, масло. 163 х 143

Хлеб, вино и ветчина. 1948. Холст, масло. 82 x 95

Второе реалистическое произведение Кончаловского, находящееся в нашем собрании, - большое жанровое полотно «На лужайке» (1954). На картине изображена многочисленная семья Кончаловских, истинной главой которой был сам художник - человек яркого темперамента, крупный, громогласный. С нескончаемой любовью он передает фактуру предметов (белая скатерть с самоваром, чайной посудой, фруктами и ягодами), с удовольствием представляет материальный мир.

На лужайке. 1954. Холст, масло. 174 х 203

Несмотря на то, что картина была написана в последние годы жизни, - общий настрой произведения звучит жизнеутверждающе. И это подчеркивает проникающий сквозь зелень листвы солнечный свет.

Кончаловский лишь несколько дней не дожил до своего восьмидесятилетия и умер в возрасте семидесяти девяти лет. Судьба подарила художнику долгую и творческую жизнь, наполненную ежедневным трудом. Наследство, оставленное им, огромно - созданного им хватило бы на десяток жизней. Он всегда работал много и быстро. Как никто другой Кончаловский «переживал» за свои работы. Любой показ работ доставлял ему истинное наслаждение. Беря в руки каждый холст, приближал его к лицу, потом, отведя, щурил глаза и поднимал брови, как бы испытывая удивление от удачно найденного решения. На его творческом пути не было периодов застоя. И сейчас его картины занимают свое почетное место в истории изобразительного искусства.

Всю жизнь он был одержим стремлением рассказать о красоте природы - будь то букет цветов, испанский или итальянский пейзаж, архитектура древнего Новгорода или замки Грузии. Его жадный интерес к жизни, к людям воплотился в портретах.

«Он видел мир глазами человека, любившего жизнь и людей», - сказал о Кончаловском известный советский писатель Константин Симонов. Сказано замечательно верно.